register for the next RADICAL WEAVING WORKSHOP - Saturday 6 July - Haus der Materialisierung
https://www.berliner-stadtmission.de/komm-sieh/hausdermaterialisierung/workshops

Upsi has been invited by the set designer and artist Barbara Ehnes http://barbaraehnes.com/ to consult on integrating a standing frame-loom prop and hand-weaving action into the opera «ALCINA» performed at the Luzerner Theater https://www.luzernertheater.ch/alcina
premiering 19.3.23
photo by Ingo Hoehn

This was recorded during a Radical Weaving Open Workshop mit „Performing Arts – Performing Future“ von BUNDESVERBAND FREIE DARSTELLENDE KÜNSTE e.V. on Apr. 17 2023 at Haus der Statistik, Berlin
interview with Upsi from minute 7:00 - end

radical weaving collaboration at Floating University Berlin, part of the ReEDOcate Me! Festival

Vom 17.10.22 - 20.10.22 – zwischen den beiden Wochenenden der öffentlichen Touren des Festivals – wird der postfossile Themenpark von ca. 50 Studierenden verschiedener Hochschulen besiedelt und als Experimentierraum genutzt.Es wird ein Lern- und Workshopprogramm geben, unter anderem mit Künstler*innen des Themenparks, Ausflügen zum Biobauern, zur Terra-Preta-Produktion und in die Berliner Rieselfelder, auf denen die ersten Bäume für den “Wald des schlechten Gewissens” gepflanzt werden. Beteiligte Institute:

From 17.10. - 20.10. - between the two weekends of the public tours of the festival - the postfossil theme park will be populated by about 50 students from different universities and used as an experimental space.There will be a learning and workshop program, among others with artists of the theme park, excursions to the organic farm, to the Terra Preta production and to the Berlin Rieselfelder, where the first trees for the "Forest of Bad Conscience" will be planted.

https://reedocate-me.com/Camp

2. weaving walls - mit Upsi (Künstlerin) sowie Nadia Fistarol (Bühnenbildnerin/ZHdK) und Lukas Sander (Bühnenbildner/ZHdK)

Neben minimalistischer Essenskultur und Kunst war die Schiebetür aus Papier eine der großen Inventionen der Edo Periode. EIne liehcte wand aus wenig Material die sowohl die Privatssphäre schützt als auch dieselbe vor Wind und teilweise auch vor Wetter. Sie isoliert zwar nicht lässt aber das Licht hinein und kann den Raum in der Garten erweitern. In der Workhsop wollen wir ein neues Material und eine neue Konstruktionsmethode für die Wände der Floating University erproben: aus recycelten Tüten aus der Lebensmittelindustrie werden wir gemeinsam mit der Künstlerin Upsi Wände um den Speisesaal weben.

Beside minimalistic Foodculture and Art, the sliding paper wall was one of the great inventions of the Edo period. A light wall which protects the privacy from wind and looks, but lets the light and the temperature come in. Like wise we will build some light panels in the workshop, but rather than making them from paper, we will recycle different coloured industrial plastic bags from the food industry and weave them together. The walls will be implemented at the reEDOcate me! restaurant. Together with the artist Upsi we will look towards the Edo period for inspiration concerning reuse, repair and minimizing waste of still valuable materials from the food supply chains.

documentation > https://sacustance.com/section/516608-Weaving%20Walls%20%7bweaving%20the%20gaps%7d.html

SEPTEMBER 17 2020 at Haus der Materialisierung 14:00-18:00

in honor of our earth, as the lungs burn
zu Ehren von unserer Erde, während die Lungen brennen

a collaborative weaving performance of salvaged material, led by upsi with Mal, Gaby and Patrick
eine kollaborative weberei-performance aus geborgenem material unter der leitung von upsi mit Mal, Gaby und Patrick

documentation > https://sacustance.com/section/516609-Lagerfeuer.html
With every season the climate catastrophes increase in number and intensity. And yet capitalism plows on with its polluting and abusive practices, always trying to sell us something, to distract us. Today, we collaboratively transform large scale advertisement waste into a radical weaving. The collective act of sharing and learning the ancient weaving process and the resulting performance and sculpture are all forms of creative resistance. We will try, learn and therefore present an alternative way in which people can intentionally, peacefully and joyfully come together to clean up one part of one local ecosystem, one part of a whole earth.

Mit jeder Jahreszeit nehmen die Klimakatastrophen an Zahl und Intensität zu. Und doch fährt der Kapitalismus mit seinen umweltschädlichen und missbräuchlichen Praktiken fort und versucht immer, uns etwas zu verkaufen, uns abzulenken. Heute verwandeln wir gemeinsam groß angelegte Werbeverschwendung in ein radikales Weben. Der kollektive Akt des Teilens und Erlernens des alten Webprozesses und die daraus resultierende Performance und Skulptur sind allesamt Formen des kreativen Widerstands. Wir werden versuchen, lernen und daher einen alternativen Weg präsentieren, auf dem Menschen bewusst, friedlich und freudig zusammenkommen können, um einen Teil eines lokalen Ökosystems, einen Teil einer ganzen Erde, zu säubern.

17.9.22, 14:00-18:00, Haus der Materialisierung (HdM)
https://hausdermaterialisierung.org Modellprojekt Haus der Statistik
mit/with Kunst-Stoffe e.V. http://kunst-stoffe-berlin.de/

https://hausderstatistik.org/veranstaltung/ko-markt-trifft-guetermarx/

3 weavings from upsi are hanging in Ceramic Kingdom's show window, in Berlin from June 24th to July 1st 2022. The exhibition unofficially aligns with 48 Stunden Neukölln, the neighbourhoods's annual radical decentralised art festival.

https://48-stunden-neukoelln.de/en/node/8982

works in the window:
Kiefer in meinem Kopf / pine in my mind, 2021 Stoff Abfallspenden von Kunst-Stoffe e.V. / fabric waste donations from Kunst-Stoffe e.V. {Schuss/weft} und Angelschnur/fishing line {Kette/warp}, 600-1.000€*

grünes Feld / green field, 2021 Verpackungsmaterial einer Kaffeerösterei / packing material from a coffee roastery {Schuss/weft} und Angelschnur (fishing line) {Kette/warp}, 360-600€*

Grüne Träne für Queers / green tear for queers, 2022
Verpackungsmaterial von Dr. Pogo / packing material from Dr. Pogo {Schuss/weft} und Angelschnur (fishing line) {Kette/warp}, 420-700€*

*Die Preisspanne basiert darauf, dass der Künstler 12-20 € pro Stunde für die Handarbeit/Handwerkskunst vergütet bekommt. Der Käufer bestimmt den genauen Wert des Kunstwerks.
///
*Price range is based on the artist being compensated 12-20 € per hour for the handwork/ craftsmanship. The buyer determines the exact value of the artwork.

Ceramic Kingdom is an Art School & Shared Workspace dedicated to the advancement of Ceramic Art in Berlin. We cultivate creative dialogue in the heart of Neukölln by embracing the ancient practice of clay in today’s society. We train new professionals in the field to further their Ceramic practice in Berlin and beyond.
https://www.ceramickingdomberlin.com

This is the first exhibition of a new body of work, the result of a radical weaving project dedicated to re-claiming materials and sharing the weaving technique

on view November 20 - December 21 2021

Tuesdays and Thursdays 15:00 -19:00

Haus der Materialisierung, Komplex Haus der Statistik, Zugang über Berolinastr.

Karl-Marx-Allee 1, 10178 Berlin

more about the space, HdM: https://hausdermaterialisierung.org/en/
more about the organisation I collaborate with, Kunst-Stoffe, and the KO-Markt https://kunst-stoffe-berlin.de/winterzauber-ko-markt/

Transformation Station is a nomadic safer-space for creative problem solving. The project invites participants to process excess plastic and fabric material through the technique of tapestry weaving. Salvaged material is both kept out of the waste processing system and implemented as raw material in teaching a new skill. The end goal of Transformation Station is to inspire a shift in behavior away from polluting consumerism and towards harm-reduction practices.

I currently offer Transformation Station as an open workshop in Berlin where I build and maintain vertical-frame-looms, prepare materials and present the weaving process. Anyone can take part in weaving the current tapestry and learn how to easily reproduce the loom setup at home.

Transformation Station encourages personal action in order to address our shared problem of excessive waste. This project shares an ancient skill which can turn our bodies into cleaners and conscious creators rather than polluters. The accessibility to learning weaving intentionally disregards the myth that only some people are (allowed to be) creative.

Tapestry weaving allows for a communal process where people can contribute one by one. It does not matter who wove the last row, anyone can weave the next, they need only choose to take part.
https://alisonsea.me/transformation-station

///

Die Transformationsstation ist ein nomadischer sicherer Ort für kreative Problemlösungen. Das Projekt lädt die Teilnehmer dazu ein, überschüssigen Kunststoff und andere Stoffreste in der Technik des Webens zu einem Wandteppich zu verarbeiten. Das wiederverwendete Material muss damit nicht mehr im Abfallsystem entsorgt werden und kann es als Rohstoff für die Vermittlung einer neuen Fähigkeit eingesetzt werden. Das Endziel der Transformation Station ist eine Verhaltensänderung: Weg vom umweltschädlichen Konsumismus hin zur Praxis der Schadensvermeidung.

Derzeit biete ich die Transformationsstation als offene Workshop in Berlin an. Dort baue und pflege ich vertikale Rahmenwebstühle und stelle den Webprozess vor. Jeder kann am Weben eines Wandteppichs teilnehmen und dabei lernen, wie er das Webrahmen-Setup zu Hause problemlos nachbilden kann. Das Weben von Wandteppichen ermöglicht einen gemeinsamen Prozess, bei dem jeder einzelne etwas beitragen kann. Es spielt keine Rolle, wer die letzte Reihe gewebt hat, jeder kann die nächste weben.

Die Transformationsstation ermutigt zum persönlichen Handeln, um unser gemeinsames Problem der maßlosen Verschwendung anzugehen. Es stärkt eine alte Fähigkeit, mit unserem Körper reinigend und bewahrend zu wirken anstatt zum Umweltverschmutzer zu werden. Die freie Zugänglichkeit zum Weben ignoriert absichtlich den Mythos, dass nur einige Menschen kreativ sein dürfen (können).

https://alisonsea.me/transformation-station

BERL – IN / OUT ?
Nach der erfolgreichen Ausstellung “HEIMGESUCHT” im WBB vergangenen September, ist nun mit BERL- IN / OUT?, vom 13. – 17. August, die zweite Ausstellung des neu gegründeten Kuratorenkollektivs Art van Demon//Berlin im ehemaligen Stummfilmkino Delphi zu sehen. Das Projekt reagiert auf die kürzlich in internationalen Medien ausgebrochene Diskussion um den Kult Ort Berlin und das heraufbeschworene Ende seiner Ära als hipper place to be.
IN – side job
Wer sollte zu diesem Thema besser Stellung beziehen als Menschen, die wirklich in Berlin leben und arbeiten? So nutzt auch S A CUSTANCE, die nach HEIMGESUCHT das zweite Mal mit Art van Demon zusammenarbeitet, die Gelegenheit das von aussen vorgedruckte Bild Berlins vor Ort weiter zu gestalten. Wie im Delphi, erweckt auch sie Altbewährtes zu neuem Leben und arbeitet ausschliesslich mit Kohle und Gesso (einem traditionellen Grundierungsmaterial), zwei Materialien, denen sie sich schon seit Längerem verschrieben hat. Mit „Yours Is Mine Is Yours“ und „…verdammt dazu, ewig zu werden, niemals zu sein…“ zeigt sie einmal ein Werk aus den Anfängen ihrer berliner Zeit, sowie ein brandneu entstandenes, das vom populären Zitat Schefflers inspiriert wurde, der schon 1910 eine nachhaltigere Perspektive auf die Stadt Berlin warf. Dazu meint die Künstlerin knapp: „Man muss bei der Aussicht, dass ein ausländischer Journalist Berlin für „over“ erklären konnte, lachen.“
OUT of the box
Ob es sich bei der wahrgenommenen, und nicht nur in den Artikeln breit beklagten Gentrifizierung der Stadt, wirklich gleich um ein Ende handeln muss, dazu zeigt sich BERL – IN / OUT skeptisch, humorvoll und nachfragend. Die frisch gegründete Projektgruppe Art van Demon//Berlin geht mit jungen Kunstschaffenden aus Berlin im alten Stummfilmkino Delphi, und somit einem Ort ausserhalb der bekannten IN-Quartiere Berlins voran und zeigt was OUT auch noch bedeuten kann.

"Gezeigt werden Arbeiten, die nicht nur die tieferliegende Bedeutung von Identität und Verbundenheit erforschen, sondern auch mit der Bewegung des Publikums die eigene Perspektive zum Bild neu erarbeiten. Jedes Werk kombiniert zwei Motive die im Sinnzusammenhang stehen und in gleichmäßigen Streifen, im 45 Grad Winkel auf dem Bildträger montiert in den Raum greifen. So erschließt sich das einzelne Motiv erst dann dem Publikum, wenn es sich im Raum bewegt. Spielerisch greift die Künstlerin damit eine ihrer größten Ängste auf - die Angst davor, dass die Betrachter am Bild vorbei gehen ohne es zu beachten. Hier kann das Publikum nicht vor dem Bild stehen bleiben, jeder ist dazu gezwungen am Bildwerdungsprozess aktiv teilzunehmen, indem man sich am Werk vorbei bewegt."

Phillipe Marcus on Out of Control
"When I look to Stephanie’s artwork I can’t help but ask myself this question: “how can a human being defines himself as a part of a crowd?” I do think that this has to do with the essence of her work. She intends to place the viewer inside of her reflections, both on a physical and theoretical level. When you get to enter a room in which is settled one of her installation I believe that you somehow become a part of it. It probably has to do with the strong presence of all these figures that surrounds you. All of them are tightly linked together, like they can’t exist as individuality but only as a group... Her preoccupations traduce a form of atavism, a reminiscence of what has been and should not have been. In a sense she puts each one of us in front of his own responsibility."

curator Madeline Stillwell on Clan Envy
"American artist Stephanie Custance’s imagery presents individualism within a whole. Faces within faces show the self as a mirror of possibly every other "self” that’s ever existed. Each face is locked into the next through a shared eye, implying an undeniable connection to ancestry and to the past. Memory and loss layer the work with not only what is seen, but what is not seen. Reminiscent of long-forgotten scars of civilization, such as the Colonial slaughter of Native populations across the globe, Custance’s drawings reveal the mystery that is the self: we are never only what we think we are, for we have unknown connections to unknown forces. Yet we are never only what we are conditioned to be, since the very social models we learn to accept as 'truth' are in constant states of flux and growth."